Die offizielle Eröffnung der Photographie- und Camera-Obscura-Ausstellung von Matthias Hagemann findet statt am Freitag, den 27. Februar 2009 um 19:00 Uhr.
Der Künstler ist anwesend.

Zum Abschluss ihrer Ausstellung lädt Dorothea Schutsch ein zur Finissage in der Galerie am Samstag, den 21. Februar 2009 um 19:00 Uhr

Anlässlich der Ausstellung Im Café haben Sie Gelegenheit, Dorothea Schutsch persönlich kennen zu lernen, sich im Gespräch mit ihrem Werk auseinanderzusetzen und ihr Fragen zu stellen.

Das Künstlergespräch findet am
Samstag, den 14. Februar 2009 um 16:00 Uhr
in der Galerie en passant statt.

Die offizielle Eröffnung der Malerei-Ausstellung von Dorothea Schutsch findet statt am Freitag, den 16. Januar 2009 um 19:00 Uhr.
Die Künstlerin ist anwesend.

paints what she sees – there are no socially relevant concepts or loud painting effects. The paintings do not impose themselves on someone and on closer view their whole wealth appears: Composition, light and colours open a complex image space in which surprising discoveries are possible.

Following the successful “Bingo” exhibition in autumn 2007 the gallery en passant will show from January 2009 onwards new paintings of the Berlin painter Dorothea Schutsch.

Her current set of paintings

Zum Jahresende kommen die Künstler der Galerie en passant zusammen zum Kennenlernen und Gespräch mit dem Publikum am Sonntag, den 21. Dezember 2008 von 14 bis 18 Uhr

Mit einem Sektempfang findet die offizielle Eröffnung der Gemeinschaftsausstellung statt am Sonnag, den 7. Dezember 2008 von 11:00 bis 15.00 Uhr
Die Künstler sind anwesend.

Vernissage mit Sektempfang am Sonntag, 7. Dezember von 11.00 bis 15.00 Uhr
"Meet the artists" am Sonntag, 21. Dezember von 14.00 bis 18.00 Uhr

Anne Wodtcke beschäftigt sich in ihrer aktuellen Werkreihe mit ephemeren, manchmal vor den Augen des Zuschauers oder unter Mitwirkung des Ausstellungsbesuchers entstehenden Skulpturen, die sie meist per Foto oder Video dokumentiert. Künstlerischer Werkstoff sind der eigene Körper sowie einfaches, zu Tüten gefaltetes Packpapier von der Rolle. Auf konzeptuelle und spielerische Weise wird hier das Thema Skulptur neu gefasst. Nicht dem Objekt an sich oder seiner individuellen Erscheinungsform gilt das Interesse, sondern den Vorgängen, die zwischen und mit den Dingen und Menschen passieren.
Ungewöhnlich für diese Art der Bildhauerei ist das Material, mit dem die Künstlerin arbeitet. Papier, einem scheinbar wertlosen Material, gibt sie somit eine neue Wertigkeit und Bedeutung und konfrontiert uns mit seiner gewohnten Konnotation. Im Zeitalter zunehmender Virtualität rückt sie mit ihren temporären Skulpturen und performativen Interventionen auch den Körper wieder in unser Bewusstsein. Neben der `Rückführung der Skulptur ins Menschliche´ergeben sich somit in Anne Wodtcke´s aktuellen Arbeiten vielfältige Bezüge zu aktuellen kulturellen Phänomenen wie visuellem Konsum und reduzierte Wahrnehmung, Virtualität und Entwertung, Dinghaftigkeit und Körperlichkeit.
Für den Potsdamer Platz hat sie eine performative Intervention konzipiert, bei der etwa 15 bis 20 Protagonisten mit einer überdimensionalen Papiertüte über Kopf und Körper gezogen die beiden Rolltreppen im Eingangbereich der S-Bahn für etwa 30 Minuten befahren, so dass eine elipsenförmige Groß-Skulptur entsteht, eine lebendige, temporäre Skulptur, in welche die Passanten beim Benutzen der Rolltreppe unweigerlich integriert und somit Teil dieser Aktion werden.

am Samstag 1. November 2008, 11.30 bis 12.00 Uhr
Ort: Potsdamer Platz, Berlin (S-Bahn-Ausgang: Potsdamerstraße/Bellevuestraße,
SONY-Center UG)

Nicht dem Objekt an sich oder seiner individuellen Erscheinungsform gilt das Interesse, sondern den Vorgängen, die zwischen und mit den Dingen und Menschen passieren.
Ungewöhnlich für diese Art der Bildhauerei ist das Material, mit dem die Künstlerin arbeitet. Papier, einem scheinbar wertlosen Material, gibt sie somit eine neue Wertigkeit und Bedeutung und konfrontiert uns mit seiner gewohnten Konnotation. Im Zeitalter zunehmender Virtualität rückt sie mit ihren temporären Skulpturen und performativen Interventionen auch den Körper wieder in unser Bewusstsein. Neben der `Rückführung der Skulptur ins Menschliche´ ergeben sich somit in Anne Wodtckes aktuellen Arbeiten vielfältige Bezüge zu aktuellen kulturellen Phänomenen wie visuellem Konsum und reduzierte Wahrnehmung, Virtualität und Entwertung, Dinghaftigkeit und Körperlichkeit.
Bei ihren performativen Interventionen (Live-Aktionen im Innen- oder Außenraum) schafft die Künstlerin aus vertrauten Gegenständen - wie z.B. überdimensionalen Papiertüten - durch kleine Kontextverschiebungen mitunter humorvolle Situationen.

Ruth Geiersberger liest aus Yoko Ogawas Roman “Liebe am Papierrand” und tritt dabei über das Geräuschhafte von Papier und Wort mit Anne Wodtcke in Kontakt...
...die KÖRPER-LAUT-SKULPTUR verändert sich dabei ständig, ist flüchtig und nur für den Moment...dennoch bleiben Bruchstücke von Geschichten, die in den GedankenRäumen der Besucher zu deren eigenen werden.
Ruth Geiersberger die ihre Arbeiten „Verrichtungen“ nennt, erkundet seit Jahren als „Feldforscherin“ Orte, die sich in einem sogenannten Wartezustand befinden: am Bahnhof, auf Baustellen, im Bunker, in Kirchen, in leerstehenden Läden oder im Zoo...
dabei macht sie sich insbesondere die Herstellung von Idyllen aber auch deren Ent-tarnung, Verlust und Absturz zum Thema.

Vernissage: Freitag , 10. Oktober 2008 , 19 bis 21 Uhr
AKTION sculpture is (e)motion mit Ruth Geiersberger um 19:30 Uhr

ein abendliches musikalisches Intermezzo in der Galerie.
Präsentiert wird
Fabelhafte Fabeln
von Jean De La Fontaine mit
Uwe Neumann (Stimme)
Jarkko Riihimäki (Töne)

Jean de la Fontaine (1621-1695) ist ein Dramaturg des Lebens. Sein Fabelwerk stellen die Franzosen den homerischen Epen gleich; er selber nennt es „une ample comédie à cent actes divers“, eine weitläufige Komödie in hundert verschiedenen Akten. Im Ganzen sind es 240 Akte in 12 Büchern: die ersten Bücher sind 1668, fünf weitere 1678/79 und das zwölfte 1694 erschienen.
Die aus alten Sammlungen überlieferten Motive goss La Fontaine in die große Form einer klassischen Sprache und verwob sie mit Einsichten und Erfahrungen, die er bei Hofe und in den Pariser Salons unter der absolutistischen Herrschaft Ludwig des XIV. gewann.

Uwe Neumann (Schauspieler) spielte nach seiner Ausbildung an der Berliner Universität der Künste (UdK) an zahlreichen deutschen Bühnen. Daneben widmet er sich in den verschiedensten literarischen Gattungen (von Krimi bis Poesie) der szenischen Lesung und Rezitation und arbeitet als Sprecher.

Jarkko Riihimäki (Pianist) kennt man als vielseitigen und vorurteilslosen Musiker. Als Lied-Pianist ist er u.a. mit dem Bariton Jorma Hynninen aufgetreten. Darüber hinaus hat er mit verschiedenen Musikerkollegen afroamerikanische Musik gespielt und Arrangements für die Gruppe "Rajattomat" erstellt. Seit 2002 lebt er in Berlin und arbeitet als freischaffender Pianist.

Anlässlich der Ausstellung FENSTER. BÄUME. RÄUME haben Sie Gelegenheit, Remy Mouton und Dorothea Schutsch persönlich kennen zu lernen, sich im Gespräch mit ihrem Werk auseinanderzusetzen und ihnen Fragen zu stellen.

Das Künstlergespräch findet am
Dienstag, den 16. September 2008 um 18 Uhr
in der Galerie en passant statt.

Anlässlich der Ausstellung FENSTER. BÄUME. RÄUME liest Karin Fleischer "Der Mann mit den Bäumen" von Jean Giono in ihrer Installation WALDSPAZIERZANG.

Karin Fleischer liest Jean Giono am
Mittwoch, den 13. August 2008 um 20 Uhr
in der Galerie en passant.

Transparenz, Spiegelungen, Schatten, Farben werden durch die Geometrie des Fensterrahmens strukturiert. Die Beobachtungen der Malerin, ohne jegliche Verzerrung der Realität, bringen den Zuschauer zur Wahrnehmung der Seiten seines Raums, die er normalerweise ignoriert: durchsichtige Fläche der Fensterscheibe, unauffällige Hervorhebung durch den Rahmen, flüchtige Spiegelblicke hinter sich oder in Nebenräume... Und weihen ihn ganz allmählich in eine allgegenwärtige wunderschöne Abstraktion ein.
Ebenso ist für

die genaue, quasi wissenschaftliche Beobachtung der Oberfläche von Buchenstämmen der Ausgangspunkt für einen simultanen Spaziergang in den Raum und in die Abstraktion. Ihre Frottagen auf Japanpapier verbinden die Leichtigkeit gedanklicher Strukturen mit den Chiffren des Wachstum

im aufwärtsstrebenden Stamm und der Transparenz des Laubes. Die sanfte Lebendigkeit Ihrer

n

Mit diesen abstrakten Mitteln modelliert der Programmierer ganze Teile unserer konzeptuellen Realität. Nicht durch einen Videospiellabyrinth lässt uns seine "digitale Prozesskunst" laufen, sondern durch beliebig viele, die das Programm automatisch im Augenblick generiert. Baumartige Datenstrukturen werden zu Wurzelgewirr, zu Venengebilden, zu abstrakten Lebewesen, die immer wieder neu und anders wachsen und sich bewegen. Für den Zuschauer ein Sprung in die Welt der Ideen durchs Fenster des Bildschirms.

Vernissage am 08.08. 2008 um 20:08 Uhr
Lesung Karin Fleischer "Der Mann mit den Bäumen" von Jean Giono am 13.08. 2008 um 20.00 Uhr
Künstlergespräch mit Dorothea Schutsch und Rémy Mouton am 16.09. 2008 um 18:00 Uhr
Galeriekonzert am 20.09. 2008 um 19:00 Uhr

Anlässlich der Ausstellung MALEREI - NEUE ARBEITEN haben Sie Gelegenheit, Christine Keruth persönlich kennen zu lernen, sich im Gespräch mit ihrem Werk auseinanderzusetzen und ihr Fragen zu stellen.

Das Künstlergespräch findet am
Samstag, den 2. August 2008 um 15 Uhr
in der Galerie en passant statt.

Offizieller Empfang und Vernissage in den Räumen der Galerie
am Freitag, den 27. Juni 2008 um 19 Uhr.
Die Künstlerin wird anwesend sein.

Christine Keruth has refined her graphic expression in an argument with the informal. Her works are inspired by the presence of colorful nuances. Sketchy elements, recently more present in her works, introduce new spheres and underline the plasticity of figures and spatial layering of levels.
The works of Christine Keruth originate from a technique of pouring, spilling and flowing of colors creating an incremental sight of translucence and diaphaneity with each layer added.
The emotional application of colors still rests a calculated cultivation of spontaneity. Occasionally topics emerge in the course of the creation, whereas titles emanate from the associative interpretation.
The painting Tango avoids the direct access to the interpretation. Layers of color and sketches hint at a dancing couple rather than formulating it.
Christine Kreuth, born 1962, lives and works in Berlin, Germany.
After museum- and religious-studies and European ethnicity-studies at the Humbold- University and the Freie Universität, both Berlin, she graduated as Master of Arts.
She has been presented at exhibitions in Germany, Belgium, France and the Czech Republic since 1980.

Am ersten Tag der Ausstellung gibt es eine Preview und
Lesung am Freitag, den 20. Juni 2008 um 19 Uhr
von Ulrike Gramann mit dem Titel Blaue Transparenz aus eigenen Texten.
Die Malerin ist anwesend.

Die Autorin Ulrike Gramann, * 1961, ist Schriftstellerin in Berlin und Karlsruhe. Ihr Spezialgebiet sind Prosa und Hörspiel, sie arbeitet aber auch im Bereich der Journalistik.

Um pünktliches Erscheinen wird gebeten.

Anstelle der Vernissage wird es zur Ausstellung eine Midissage geben.
Der Empfang findet am Freitag, den 16. Mai um 19 Uhr statt.
Der Künstler ist anwesend.

Als Grundlage und Ausgangspunkt für seine Arbeiten dient Sandler die heutige Allgegenwärtigkeit, Masse und Vielfalt an reproduzierten Bildern, welche im Diskurs zum Thema „Bild“ unter dem Schlagwort „Bilderflut“ diskutiert wird. Sandlers Bilder bestehen aus visuellen Zitaten, aus Reproduktionen, die ihm täglich in Zeitungen und Magazinen begegnen. Diese löst er aus ihrem Kontext und überträgt sie mittels Durchschlagpapier in den Bildraum, wo er sie neu vernetzt. So entstehen aus dem Dialog von vorgefundenen, äußeren (medialen) und seinen subjektiv-inneren (mentalen) Bildern komplexe Bildgeflechte, die auf Diversität und Abweichung basieren und dem Betrachter ein assoziatives Flanieren im Bildraum ermöglichen. Worum es ihm geht, ist das Geflecht selbst, die Inszenierung neuer, unerwarteter Bezugssysteme auf der Grundlage der offiziellen Bild- und Medienstrukturen unserer Zeit.

Anlässlich der Ausstellung AUFRISS haben Sie Gelegenheit, Sabine Wild persönlich kennen zu lernen und sich im Gespräch mit ihrem Werk auseinanderzusetzen und ihr Fragen zu stellen.

Das Künstlergespräch findet am
Freitag, den 11. April 2008 um 19 Uhr
in der Galerie en passant statt.

She expresses it this way:
„In the same way we are finding structures to represent the visible with brush, pencil or chisel, so we do for the audible: rythm, dynamic, energy and tenderness, as well as power, diversity and silence, find a correspondence in line arrangement, in colour and composition. Contrary to the facing music those structures stay. They get in via the eyes and carry on the impression of the genius of the music."


In his essay „Wo sind wir, wenn wir Musik hören?“ (where are we when we are listening to music) (1993) Peter Sloterdijk writes: "The ear does not know any counterpart, it does not develop a frontal "sight“ to remote objects, because it has "World“ or "Objects“ just to the extent it is in the acoustic event - one could also say: as long as it floats or dives in the aural room ...“

An adventurous path to create pictures from worlds of sounds!


Musicians, composers and dancers have been inspired by her pictures and created their own works. In Bavaria the artist started the Project "ZwischenZeiten“ (TimesInBetween), whose movie about the performance "Dialoge“ (Dialogues) is shown at this exhibition.

In Berlin, Karin Fleischer is known for her realistic, "possibly
surpassing photography“("die Fotografie womöglich übertreffenden“) (Heinz Ohff) colour etchings. After having discovered the copper engraving at Sir Anthony Gross in London, her work became more abstract: with the engraved burr, which overlies printed on the pastous Bütten (hand made paper), started a fascination for pigment and line, which became her works motor. Karin Fleischers drawings and tusches convey the invisible.

The artist invites you on fridays to a banquet at Galerie en passant and the Bacigalupo-Organ's concert, which offer an occasion to socialize at the art-room. The artist will give a talk with insights to her extensive work.

You are here describes an exact geographic position – in this case the Brunnenstrasse, which in recent years has become a synonym for Berlin’s promising emerging art scene. The question “where” has always concerned gallerists and among them are the protagonists, the brave ones and those who go with the flow. There are plenty of gallery miles everywhere. What has been affecting whole quarters and streets has now reached global dimensions – Berlin or New York. Maybe London, Paris probably not and then of course there are the even more exotic destinations like China. Colonialized by art.

For the time being, the Brunnenstrasse is still in a class of it’s own, and, what is even more exciting – it is bringing the big wide world to Berlin, bit by bit.

“Schnitzeljagd”, in English “paper chase”, is a game many might remember from their childhood days. Played in two groups – those who hide something and those who search for it. The idea for the Brunnenstrasse is similar: the curator is the one who hides something, the gallery visitors become the seekers and the works by Swiss artist Alexander Bühler lead the way through the Brunnenstrasse. The works were produced by the artist during a residency in a London gallery, near Vyner Street, another popular and young gallery mile that has many parallels to the Brunnenstrasse. During his residency, the artist produced a new work each day and the works will have been displayed in Brunnenstrasse in exactly this sequence. The artist combines everyday objects with drawings to form collages. Characteristic of each of the works are the small wooden pieces, which can also be read as “hints” during the Schnitzeljagd.

To a certain degree this notion reflects my observations and the dynamics I have experienced in the Brunnenstrasse. It must inevitably be noted that those galleries who have opened more recently in Brunnenstrasse, strive to be part of the whole and also to have a slice of the cake. However, so far the co-existence of the galleries has worked well and they all make the most of the common geography. Through conversations I have gained many insights, ranging from sceptical views to unbeatable enthusiasm. Even more interesting was to see how each of the galleries position themselves in terms of one another.

In the beginning I expected about 10 galleries but eventually there were over 20 art spaces. Aside from the established and well-known galleries I came across various concepts and intentions. There is a constant coming and going – but one thing is for sure: the phenomenon Brunnenstrasse is alive and there are still more galleries to come, not only from Berlin.

The time scale over which the sculptural action is played out depends on her endurance and on the strength of the material employed. The setting in which the action takes place and the parameters of space and time are the determining factors for the way the process develops. The outcome of the experiment is always open. A typical aspect of these performative sculptures is that the body is often bent into unusual postures; the identifiable features of her face, however, remain hidden; in other words, she remains anonymous.

In her live-actions (in- or outdoor) she sometimes even integrates the visitor.

The edition „SKULPTUR.sein“ is available in the gallery or under www.annewodtcke.de - a real chance for everybody to become a sculpture.

For requiem, he shares the deathly silence of the Old City's cemetery through the medium of a pinhole camera. He is fascinated by people's attempts to carve transcendence and pain into stone. The Camera Obscura nestles against the statues, victims of oblivion for almost a century. Every scene is depicted with a dark wreath. A requiem for a bygone epoch of the City. Silent.

To create his fiesta Series, he has allowed himself to be enveloped by the revelling multitudes of Barcelona, using a Bakelite Camera from the Fifties. By means of an Inside - Camera Collage Technique, he has captured the football frenzy of Camp Nou, the timelessness of traditional Old Town celebrations and the simple joys of a carousel ride. Loud.

Rémy Mouton – digital process art
Rémy Mouton works with the mysterious means of pure object oriented programming and random generators. Each work of his "digital process art" is a program that creates images, animations or music automatically. To the theme "moving layers" appear appetizing landscapes, live sedimentation on the seaground or just plain abstract art. The viewers enjoy quietly the happening and can with some works even participate to the creation interactively.

Uschi Krempel – print graphics
In Uschi Krempel's _Monoprints based on etching, movements of inks and changes of colors under the press invoke hazard, which lets every print be different from each other. In each picture of the series _Siebdruck (serigraphy) the artist plays with several layers and colors - this talented improvisation lets the viewers free to look for and find forms.

Martina Reichelt – Painting and Performance
The paintings of Martina Reichelt make visible the traces that the dancer leaves in space. Body prints, movement lines, skid marks: images appear that trigger the next move sequence. During the improvisation is created layer after layer a notation of the performance that complements painted snapshots and gives a new time dimension to the movements of the dance.

Vernissage, Freitag, 29.06.07, 19 Uhr

Die Serie 'stattmenschen' widmet sich der im Stadtbild allgegenwärtigen Werbung. Der plakativ überhöhten Werbewelt wird ihr banaler Alltagshintergrund 1 zu 1 gegenübergestellt. Die gewählten Plakatausschnitte zeigen Menschen; hier ist die Inszenierung besonders spürbar und der Reflex, einen Bezug zum Gesamtbild herzustellen, nur schwer zu unterdrücken. Die formale Gleichberechtigung ist dabei keine Botschaft, sondern eine Einladung zum Spekulieren über Sinn und Unsinn, gut und schlecht, echt und falsch.

Im Juni 2007 zeigt die Galerie en passant Arbeiten der Berliner Malerin Christine Keruth.

Wir nähern uns an:

"Das, was ich weiß, von dem ich aber nicht weiß, dass ich es weiß, beeinflusst mich mehr, als ich weiß."
Milton H. Erickson

Vor einigen Jahren entdeckten Forscher ein gigantisches Nervengeflecht im Bauchraum, das dem Großhirn an Komplexität kaum nachsteht. Das sog. Bauchhirn besitzt mehr als 100 Millionen Nervenzellen - mehr als im gesamten Rückenmark zu finden sind. Zudem führen weit mehr Nervenstränge vom Bauch ins Kopfhirn als umgekehrt. 90 Prozent der Verbindungen laufen von unten nach oben. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse begründen die alte Erfahrung, dass oft "der Bauch", also die Intuition, dem Kopf überlegen ist.

Christine Keruth malt aus dem Bauch heraus. Ihr sind Emotion und Spontaneität wichtiger als Perfektion, Vernunft und Reglementierung. Diese Haltung teilt sie mit den Künstlern des Informel.

Am Anfang steht die Entscheidung zu malen, was der Körper malen will. Es ist geronnene Bewegung, hineingetanzt in die leere, unbearbeitete Leinwand. Aber der Körper, in seinem Bewegungsdrang geht über die Leinwand hinaus,
und wir können nur vermuten, was wir sehen würden, wenn die Leinwand über sich hinausginge.

Erst in weiteren Schritten wird das so Entstandene reflektiert und bearbeitet.

Die Performance Das Picknick – reloaded II ist das Produkt eines künstlerischen Dialogs zwischen Sandra Becker und Norman Sandler - das Produkt der Vernetzung von zwei Positionen, zwei Menschen, zwei Künstlern.

Die Performance findet am

Freitag, den 18. Mai 2007 um 19 Uhr statt.

In „fragile welten I und II” the observer views a childish, female body under water, surrounded by long hair. At first glance, fragile welten I reveals an optimistic constant on the basis of the fine and light colors, when taking the longer view the series begins to become associated with dissolution and disappearance. The impression becomes reinforced in the confrontation with the serial and dark contrast of fragile welten II, which moves in the realms between birth, death and decay. Both series are ascribed to the subject of fragility and endangerment.

Vulnerability and defenselessness, additional synonyms for fragility, are the subject of the series tier.sein. From the full frontal perspective, the series shows cages without animals. The section chosen by the photographer emphasizes the minimized amount of space to which the animal is relegated. These small enclosures reveal the vulnerability and defenselessness of the animals. They have been robbed of their original living space with ropes, tree trunks and shelf-like ledges serving as sleeping spaces and references to their true nature.

The contrary impact of the pictures of the two series can be attributed to their distinctly differing presentations of space. In the series tier.sein, the space is clearly defined and closely delineated due to the fact that the static form of the cage is in the foreground. By contrast, in the series fragile welten I und II the flowing prevails where the human body seems to dissolve into diffuse space.

In her photographs Sabine Wild manages to confront the observer with existential subjects such as determinacy versus dissolution in a haunting and sensitive manner.



Childishly Surreal Imagery

”You have to hurry if you want to see something. Everything disappears.“ (Paul Cézanne)

The eye of the observer fails when it attempts to find sharply-focused images in Sabine Wild’s pictures. This failure is intended; Sabine Wild’s intention is to inspire the observer to turn off their analytical view. Some motifs are, however, immediately recognizable despite the distortion, some remain puzzling. This is not a matter of reproducing reality, but rather one of producing a mysterious atmosphere of dreams and imagination.
“Childishly Surreal Imagery” is an attempt to recall the imagination one had as a child; fairy-tale-like, surreal, wonderful and creepy. Analogous to the fact that recollections can only be vaguely recapitulated, the photographs have been put through a complex process so as to maintain the special effects of the interferences; the photographs were converted into a film, pictures taken of the TV monitor and reworked on a computer. These digital interventions create picturesque effects which transgress the borders between dream, memory and reality.


kind angst
In the series ”kind angst“ Sabine Wild dedicates herself to the subject of childhood fears and nightmares.

In photographic pairs, she shows close-ups of a girl’s facial expressions; these appear unprotected, with an anxious gaze aimed inward toward a recollection hidden from the observer.
The “Zweit-Motive” are intended to demonstrate the impact of intimidation and fear. The combination of the girl’s defenseless and vulnerable aura create a tense atmosphere and cause the switch into a sinister quality.